As obras da artista contemporânea suíça peças pontuam criticamente a superficialidade, o glamour e os produtos de luxo, enquanto – ao mesmo tempo – buscam sua afirmação

Saltos altos e bolsas, pneus de carro e foguetes: desde o início de sua carreira, que logo se internacionalizou, Sylvie Fleury sempre se interessou por insígnias de poder e sedução. Sua escolha de objetos estreita a relação entre status e apelo erótico. A artista tornou-se famosa no início dos anos 90 através de uma instalação composta por diferentes sacolas de grifes de luxo, simplesmente colocadas como se a porta tivesse acabado de ser fechada. Ela ainda modifica esse arranjo de sacolas chiques até hoje.

Suas obras geralmente retratam objetos com ligações sentimentais e estéticos da cultura do consumo, bem como o paradigma da nova era. Especificamente, muito do seu trabalho aborda questões de consumo de gênero e os relacionamentos fetichistas com objetos de consumo. Os críticos rotularam seu trabalho como “pós-apropriacionista”. Em 2015, ela ganhou o Prix de la Société des arts de Genève.

Fleury cria objetos sedutores e instalações multimídia que, embora possam ser confundidas com endosso, apresentam um sutil comentário sobre a superficialidade da sociedade de consumo e seus valores. Referenciando os ready-mades de Marcel Duchamp e a obsessão de Andy Warhol por compras, Fleury usa elementos como roupas de luxo, corridas de Fórmula 1, arte contemporânea, capas de revistas e objetos de design. A frase “Yes to All” é um tema recorrente em grande parte dos objetos de Fleury (incluindo cestos de lixo banhados a ouro e cristais Swarovski), emprestado o comando profano do computador criticando o desejo do consumidor cada vez mais incontrolável antes do colapso econômico global de 2007.

Primeiros passos

Nascida em 24 de junho de 1961 em Genebra, na Suíça, onde reside e trabalha até hoje, Fleury tem exibido seu trabalho em galerias como a Thaddeus Ropac em Paris, Salon 94 em Nova York e Almine Rech Gallery, em Bruxelas.

Sylvie Fleury começou sua carreira no mundo da arte em 1990, na Rivolta Galery, em Lausanne, onde se apresentou com Olivier Mosset e John Armleder. Foi nessa exposição que ela apresentou pela primeira vez suas “Shopping Bags”, sacolas com nomes de designers de moda ou marcas de luxo que ela apresentou no espaço da galeria. Através de sua simplicidade e ousadia, seu gesto, lembrando os ready-mades de Duchamp, deixou claro desde o início o caráter provocativo do que estava por vir. Ela também anunciou a chegada de uma tendência artística atual, criando uma interface entre o campo da moda e da arte. Acima de tudo, o gesto de Fleury detalha os termos de sua abordagem como artista, que é colocar em contato diferentes sistemas de valores com impactos simbólicos desiguais.

A artista traça paralelos entre a arte e o comércio com pinturas, esculturas e instalações que criticam o valor intrínseco antes da ligação das grifes aos artigos de luxo. Ao usar estratégias comuns de publicidade, incluindo slogans e apresentações chamativas, o artista manipula a ótica da economia moderna. Sua crítica à beleza superficial foi comparada à arte pop – ela pintou suéteres esticados sedutoramente sobre o corpo feminino, acrescentou enxertos de pele a composições de Mondrian, compôs pequenos arranjos de sacolas luxuosas e carrinhos de compras e sapatos dourados. Ela considera que os fetiches de moda e glamour na sociedade contemporânea, suscetíveis a altos níveis de desejo, se infiltrou como pensamentos desejosos e fome pela próxima “melhor coisa”.

“Mudar seus seios muda sua vida?”

As obras de Fleury cruzam elementos da arte pop e da arte conceitual, onde a arte conceitual é mais determinante; mais precisamente como a ideia que Marcel Duchamp estabeleceu com seus ready-mades. Um objeto do mundo dos produtos é transferido para o museu, e somente através dessa mudança de localização torna-se arte. É certo que, ao contrário do inventor da arte conceitual, Sylvie Fleury muda seus itens selecionados de consumo. Ela os enfeita, os infla a um estado monstruoso ou ironiza-os através de sua maneira de encenar: um carrinho de compras dourado ou um pneu de carro é assim apresentado em um pedestal brilhante.

Por muitos anos Sylvie Fleury, que em 1993 expôs na 45ª Bienal de Veneza, tem sido regularmente representada em galerias internacionais e casas de exposições. Suas instalações levantam questões sobre a auto compreensão cultural da sociedade ocidental: como nosso consumo influencia nossa identidade, como o mundo dos produtos desperta nosso desejo e como ele controla nossa imaginação de beleza e atratividade. Até certo ponto, tais deliberações também podem ser encontradas diretamente nos títulos das obras ou como inscrições nas fotos, como em “Does changing your breasts change your life?”.

No início dos anos 90, Sylvie, que também se identifica como uma “vítima da moda”, expandiu sua escolha pessoal de objetos fetichistas para a sua arte: ela imitava imagens populares de Piet Mondrian e colocava implantes de pele nos campos de cores em vermelho, amarelo e azul. Aqui Sylvie Fleury transfere as promessas do mundo dos produtos para a esfera da arte; alternativamente ela também apresenta arte sob os símbolos de status ou objetos de fetiche.

Maturidade artística

Com a arte de Fleury, é impossível não mencionar, ainda que brevemente, as posições críticas que ela inspirou. A artista tem seus detratores, que a criticam por sua superficialidade e pelo vazio de seu trabalho. No entanto, ela também tem seus admiradores, alguns dos quais enfatizam a pertinência e o comprometimento de seus filmes, apontando alternadamente suas posições feministas ou suas denúncias dos sistemas que governam a arte, a moda e o consumo, oferecendo assim uma leitura social e política. Outros descrevem sua abordagem do ponto de vista estético, em termos de polinização cruzada, transversalidade, contaminação e mudanças contextuais, legitimando seu trabalho frente aos valores que atualmente estão sendo atribuídos à arte contemporânea.

O trabalho de Fleury se destaca tanto pela recorrência de certos objetos ao longo de sua trajetória, desde a primeira instalação até agora, como também pela elaboração de um sistema de cruzamentos e ligações.

Desde o início, Fleury tomou emprestada uma série de categorias artísticas, citando várias referências e combinando diferentes estilos, abstração pictórica e os padrões usados em lenços Pucci, jeans sobre macas de lona entalhada à la Fontana, superfícies de pele sintética à Mondrian, pinturas de parede e até mesmo pacotes Slim Fast, lembrando as caixas Brillo de Warhol. Do mundo da moda, a artista utilizou-se de sapatos Gucci, sacolas de compras com os rótulos mais glamourosos, cosméticos Chanel e assim por diante, lembrando a arte pop e o gesto duchampiano. Além disso, não contente em apenas exibir sua obsessão por compras e moda, Fleury também se apegou aos suportes usados na transmissão de sua mensagem – Vogue, Cosmopolitan e Elle – colocando essas revistas em exposição de maneira diferente de seus outros objetos ou filmando suas páginas, como no vídeo “Current Issues” (1995).

Além disso, quando ela não está lidando com esse mundo, Fleury gosta de se aventurar nos domínios de objetos que são culturalmente associados ao sexo masculino, como mísseis e automóveis, especialmente carros americanos, fazendo o melhor para sacudir esses simbólicos sistemas ao vestir foguetes em casacos de pele, pintando-os em esmalte rosa, ou encenando uma cena em que uma mulher em um vestido de noite e salto alto está ocupada polindo um automóvel (Carwash, 1995).

Fleury não se apropria das coisas, ela alterna práticas, objetos e estética que nascem da arte, moda ou modos de representação masculinos e femininos, sobrepondo ou acoplando seus sistemas de valor e reconhecimento. Seu estilo interdisciplinar equivale a uma transação cultural.

Sua intenção não é enviar uma mensagem. Ela não nos oferece um discurso sobre feminismo ou consumo, por exemplo, não dá voz a demandas em relação ao mundo dos homens. Mesmo assim, a literalidade de suas mudanças e justaposições é certamente desconcertante, precisamente porque o artista não faz uso crítico de objetos que vêm com tantas implicações. Colocá-los em um sistema de valores que geralmente é estranho para eles não define um terceiro sistema de valores comum, mas estimula os espectadores a questionar o valor de um e do outro.

Se Fleury está lidando com sapatos, sacolas de compras, automóveis ou foguetes, todos esses objetos invariavelmente retratam seu próprio questionamento sobre seu status e valor artístico. Fleury não está querendo apontar tensões ou acusar similitudes ou usurpações. Pelo contrário, seu objetivo é expor uma rede de conexões que pressupõe um sistema de valores e trazer à luz seus mecanismos de atribuição e valorização.

Exposições de Sylvie Fleury

As obras da artista estão em muitas coleções públicas, entre as quais do MoMA Nova York, ZKM Karlsruhe e Migros Museum Zurich. Coleções particulares como a Daimler Contemporary Berlin, a Sammlung Ringier, a Sammlung Ulrich Reininghaus e a FER Collection também têm obras de Fleury.

A artista expôs em instituições como CAC/Centre de Arte Contemporaneo, Málaga; Le Magasin Centre National d’Art Contemporain, Grenoble, Albertina, Viena; Swiss Institute, Nova Iorque; Chelsea Art Museum, Nova Iorque; Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurique; Museum of Contemporary Art, Chicago, entre muitos outros. Participou da Bienal de Xangai em 2006, da Bienal Báltica de Arte Internacional em 2002, da Bienal de São Paulo em 1998 e da Bienal de Veneza em 1993, entre outras. Fleury recebeu o prêmio da Geneva Society des Arts em 2015.